Il suono come nutrimento

Qualunque amante del suono dovrebbe stare attento a quello che ascolta. Ma anche a quello che guarda, a quello che mangia, a quello che respira.
Perché quello che respiriamo, mangiamo, guardiamo, ascoltiamo ha delle conseguenze.
Sulla nostra esistenza e sul mondo in cui viviamo.
La nostra vita è investita da una nube invisibile di polveri sottili, da scaffali pieni di cibo confezionato, da iperproduzione di contenuti info-audio-video sempre più poveri di senso.
La mancanza di principi nutritivi (per corpo e mente) nasce per poterne consumare una quantità in costante aumento?
Se sì, voler sapere cosa si mangia e cosa si respira è un gesto ecologico e politico.
Sicuramente anche stare attenti a ciò che si guarda e si ascolta lo è.

“ogni giorno l'atto di cibarsi muta la natura in cultura, trasformando la materia del mondo in corpi e menti umane”

Michael Pollan

In che modo arriva ai nostri sensi, la materia del mondo?
E come la percepiamo una volta che ci attraversa con il suo formicolio di piacere per il corpo e la mente?
Che fare per sottrarsi al consumo inquinante per l'ambiente naturale e mentale, ai diecimila canali televisivi/niente da vedere, all' iperproduzione sonora/niente da ascoltare, alla connessione 24h su 24/niente da dire, all'effetto di depressione generalizzata, alla dipendenza impotente e disperata?
Diserzioni,  anche in questa nuova stagione, proverà a cercare vie di fuga per riattivare il piacere dell'ascolto e di sottrarsi all'effetto rumore di fondo. Attraverso i nuovi suoni elettronici, ambient, post rock, ethereal, modern classic, shoegazing, cold/dark/chill wave, post/dubstep, witch....Diserzioni vagherà in arcipelaghi white minimali, pink sensuali, green clorofillosi, red marziani, dark catastrofisti, black soul/are, blue profondi… cercando nell'underground più fertile quell'humus vitale che fermi la desertificazione dei sensi.
Diserzioni torna con una nuova stagione di trasmissioni dal 17 settembre.
Stay tuned

Gigi Masin: Wind

Lo scoprii nel buio della mia stanza
solo qualche lustro fa
ma sembra un'altra era
nessun display acceso,
nessun post su facebook,
niente cover su instagram,
niente ascolto su soundcloud,
non un podcast,
niente playlist su mixcloud,
niente streaming su spotify,
nessun evento programmato,
niente #hashtag,
niente youtube ne vimeo,
nessun critico musicale aveva il blog,
niente discogs o boomkat...

solo l'istinto, l'intuizione
solo due visionari dj radiofonici
un garage studio
la vibra dell'etere
la modulazione di frequenza
solo apparati uditivi sintonizzati
e un dono sonoro
di un poeta del silenzio
disperso nel vento
da un'emissione notturna

...era il 1985 e stavo ascoltando come ogni settimana la mia trasmissione radio preferita: Nocturnal Emission condotta da Mirco Salvadori e Massimo Caner quando sentii per la prima volta “Wind” il  disco d'esordio di Gigi Masin. Un regalo (nel senso letterale del termine) che Gigi faceva agli ascoltatori di Nocturnal Emission e agli amanti di quel suono.

Ora quel gioiello sonoro è stato rimasterizzato e uscirà a metà settembre per la label “The Bear On The Moon”.

Non perdetelo!

pre-order qui: http://www.rushhour.nl/distribution_detailed.php?item=85327

Holidays in paranoia

Uno va di qua, l'altro va di là. Meglio: uno va l'altro resta.
Le vacanze estive sono così: a volte capita di restare a casa a causa di una serie di sfighe.
Però l'orecchio no! Quello non resta, anzi si muove incessantemente.
Quando passi le vacanze a casa e le notti si allungano per la mancanza di sveglia mattutina arrivi a fagocitare così tanti suoni e a inghiottire così tante musiche convinto che in ferie il tuo cervello rilassato  sia in grado di elaborare il tutto.
Il problema è tutto li, o quasi. Nella rottura del rapporto tra orecchio e cervello. Fra ascolto e conoscenza. Ascoltare non è più sufficiente a conoscere. E per conoscere e capire di musica non basta un gran volume di cose ascoltate.
Terremotato dalla pervasività delle nuove tecnologie, l'oceano di suono è diventato uno fluire inarrestabile e la logistica della percezione sconta una debolezza cognitiva che assume proporzioni sempre più allarmanti.
Anche il mio orecchio intento ad ascoltare più suoni possibili, tutto ciò che era sfuggito all'ascolto durante l'anno sembra incapace di quel processo di strutturazione della informazioni e del sensibile che è alla base di ogni conoscenza.
Per questo costruire una trasmissione come Diserzioni resta per me essenziale. Perchè mi costringe a scegliere cosa ascoltare, perchè mi costringe a riconnettere l'orecchio al cervello.
Quel che conta non è ascoltare tutto ciò che attira l'attenzione (peraltro impossibile) ma che ci sia qualche suono che accenda ancora qualcosa. Qualcosa che punge, che stimoli contemporaneamente l'orecchio, il cervello e l'anima. Anche in vacanza.
Buone vacanze dunque, a chi resta e a chi va. E buona caccia di suoni.
Diserzioni come di consueto torna settembre. A cartografare i miei ascolti sperando di essere mappa utile anche per i vostri.

New Wave of Instrumental Grime

Estate 1994.
La musica liquida era ancora un’ orizzonte a venire e la mia sete di suoni la dovevo soddisfare rovistando avidamente nei negozi di dischi. In un record shop di Soho, mentre cercavo tra gli scaffali, sentii un giro di batteria conosciuto, molto conosciuto. Sembrava proprio l'attacco di “Sunday Bloody Sunday” ma era fuori contesto, immersa com’era negli scratch . Mi avvicinai al vinile che girava sul piatto incuriosito. Il disco portava al centro una scritta: “Mo Wax” cosi per capirci qualcosa mi feci passare la copertina. Era un triplo vinile che all'interno si definiva: “a collage of 16 excursion from the hip hop instrumental avant garde”.
Comprai quella compilation dal titolo Headz e iniziò una passione per l'hip hop strumentale, quello emancipato dalla figura del MC. L’Hip hop classico non mi aveva mai preso completamente nonostante fossero gli anni delle posse anche in Italia.
Il pezzo che provocò tutto questo era “Lost & found”di Dj Shadow.
Lo stesso mi succede ora dopo più di 20 anni con un genere che è una derivazione del hip hop ovvero il grime. Anche in questo caso mi appassiona molto di più quando non c'è l’apporto vocale del MC, perché quando il sound si emancipa da esso sembra perdere la sua parte più "machista" e diventare più introspettivo e romantico.
L’ instrumental grime mantiene quel punto d'incontro delle parti più oscure e malsane del Uk garage così come le ritmiche sincopate di matrice 2step, ma qui tutto diventa più minimale, rallentato, intimo e incentrato molto di più sulla sperimentazione elettronica.
Rimuovendo la centralità del MC (che spesso usa uno slang tipicamente Londinese, difficilmente comprensibile da chi non proviene da Londra), i produttori di grime strumentale focalizzano l'attenzione sull’ atmosfera che ha reso il grime così eccitante, rendendolo fruibile così anche fuori dalla capitale inglese e dai suoi club.
Si tratta di musiche che dipingono un futuro molto buio, distopico, un’ immaginario cyberpunk. Ma c’è anche il gusto per un’esplorazione melodica dei sintetizzatori che intraprende strade fantascientifiche che guardano contemporaneamente  sia allo spazio esterno che a quello interno. E’ musica che parte dal grime e magari li ritorna ma che diventa espressione di un sentire comune anche in giovani che non hanno vissuto l’esperienza della scena londinese. Insomma si stacca dalle strade della metropoli inglese per diffondere quell’atmosfera anche altrove.
Così facendo si allarga il potere dell' immaginazione che diventa macchina di rielaborazione prendendo frammenti dal magazzino della memoria per ridisegnare ancora una volta i confini e le forme. Questo ridisegno rende possibile proiettare il mondo del grime da inedite prospettive e permette di creare nuovi orizzonti per la musica elettronica nel suo complesso.

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5 nomi e 5 brani della “New Wave dell’ Instrumental Grime”

Rabit "Imp" il brano che apre l'EP Baptizm , inizia con tre note di sintetizzatore a creare la melodia. Dopo 40 secondi o giù di lì, questo si dissolve, aprendo lo spazio per una più complessa linea di synth, fatta di frammenti di melodie in "fade in" e "out". I toni sono molteplici: alcune note suonano piene, come un organo da chiesa; altre suonano come violini pizzicati; e nell'insieme suonano come l’intro che potrebbe salutare l'ingresso di un personaggio dei videogiochi. Videogiochi è una delle parole chiave per il grime strumentale. Anche quando il sound diventa più aggressivo, sembra estraneo alla violenza fisica, questa è musica fatta in prevalenza da giovani nella propria cameretta e sembra uscita dalla loro vita virtuale.



Slackk : velocità che sfoca l’immaginario di strada a notte fonda, storie allucinanti situazioni senza un inizio, né una fine, né un perché. La virtualità si scontra con il reale. Disorientante non è la parola giusta.
 
Logos: la melodia sintetica che come il vetro diventa solida con il raffreddamento di sostanza liquida e che se fuori sembra inerte all'organico e perfettamente liscia e adatta al fluire infinito della rete,  dentro è fragile e tagliente. Anche la vita virtuale ha la sua inquetudine.

 
Visionist: solitario melodico ed empatico. Questa estetica cosi intima ha presto fatto breccia nei duri cuori del grime. Come rendere il “dark” giocoso



Mr Mitch:  atmosfere di vuoto urbano alla Burial. È un brano grime così triste e romantico che quando Mr Mitch ha fatto ascoltare “Sweet Boy Code” alla sua fidanzata, Mrs Mitch, si è messa a piangere: la traccia è tanto lenta ed intensa con un tenebroso campione vocale stretchato di Dark0 da trasportarti nella notte più profonda, da solo, fino a rallentare il battito del cuore ed evitare lo spasmo

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ps) Boxed è la serata londinese ideata dai vari Logos, Mr Mitch & co, casa della cosiddetta “new wave of instrumental grime”. Se vi capita di essere da quelle parti non perdetela!

The sound beyond

Ho avuto una visione l’altro giorno.
Dovuta al caldo, forse...
Era un’orribile giorno al calor bianco, un’afoso giorno come tanti altri nella padania orientale.
Stavo camminando in quei non-luoghi fatti di asfalto, tipo centri commerciali, parcheggi con cartelloni pubblicitari rotanti, vetrine che riflettono il sole accecante, insomma quei posti che nei festivi diventano “alternativi” alle lunghe code verso il mare.
Ma la cosa peggiore era la musica, orribile, specchio di un mondo dove le uniche cose a durare più di una canzone di Antonacci sono guerre e carestie. E quando gli altoparlanti ripetono qualche radio è anche peggio: alternano musica inascoltabile a inutili speaker gossippari. Mi sento soffocare e decido di accelerare il passo per scappare da lì.
Ad un tratto giro in una stradina di campagna, mentre l’aria rinfresca e la luce lascia spazio alla penombra della sera riflessa nel largo canale. Sono circondato da querce per le ghiandaie, noccioli per i moscardini, biancospini per i merli, ontani per i lucherini e poi carpini, frassini, salici per i picchi ...
Ed è subito un altro vivere. C’è musica nell’aria, un suono che mi ricorda emissioni notturne di tanto tempo fa.
Quel suono dell’anima che non riesco mai ad riascoltare perché invaso dal "troppo" attuale.
Intro romantico affidato al solo pianoforte, dalla quale lentamente emerge una breve ossessiva melodia sulla quale si aggiungono il clarinetto, un decadente coro di tastiere ed, ultima, la voce a cavalcare una armonia che cattura.
Voci e suoni amici, conforto di un passato pieno e di un futuro aperto. Il paradiso insomma.
Da non muoversi più da qui.
Ma ecco proprio sul più bello sento una botta sulla spalla e il brutto concerto di chiacchiericcio, di “one nation one station”, di clacson, di rombi di motore e voci incazzate ricomincia: “Ecco il tuo solito mondo di merda”.
Quella breve ed intensa visione ora mi sfugge, ma il suono attraverso la quale è apparsa rimane:

Suono: Minox - Psiche
Foto: Danilo Gaiotto

L'arte del silenzio non invecchia

 

Nemmeno ci provo. Proprio non ne sarei capace.
Di fare una recensione cinematografica, dico, per quella vi rimando qui.
Ma “Youth” di Sorrentino mi ha portato dentro a certi rit(m)i del mio sentire. Perché ci interroga, oltre che sul tempo che passa, anche sul senso del silenzio. Che non è tanto l'assenza di suoni, ma la base stessa del suono, del linguaggio e forse anche del cinema.
Ci invita  a renderci “sensibili a quei fili di silenzio di cui il tessuto del suono è intramato”.
Insomma più che seguire una trama questo film sembra segua una partitura.
“Io capisco solo la musica” dice Michael Caine  che in “Youth” è un  corteggiato compositore e direttore d’orchestra che si è ritirato dalle scene “c'è e non ha bisogno di parole, ne di spiegazioni”
Solo ha partire da questa consapevolezza, ben presente nel protagonista del film, si può scoprire che  paradossalmente il silenzio parla molte voci. Ce n'è uno prezioso (il silenzio è d'oro) e uno che indica penuria (il silenzio di tomba), ma anche il silenzio che crea tensione e quello della mancanza come in Lisbon story  di Wenders quando il fonico registra l'assenza dell'amico.
Ma tornando al film di Sorrentino: vedendo le scommesse dei due vecchi amici (Harvey Keitel e Michael Caine)  sul fatto che coppia vicina di tavolo non si parla mai: “stasera apriranno bocca, sì o no?” oppure nella scena dove la giovane massaggiatrice sussurra: “non serve parlare basta toccarsi per capirsi” , sembra che il regista voglia riflettere sul silenzio e sul fatto che bisogna re imparare ad ascoltarlo e in questo caso anche a guardarlo.
John Cage diceva: “Non esiste il silenzio. Accade sempre qualcosa che produce suono”. Ma per captare quel qualcosa bisogna sottrarsi al rumore di fondo.
Certi silenzi possono sembrare apatia, e di apatia viene accusato dalla figlia il musicista protagonista di Youth. Ma guardare o sentire una cosa vuota è sempre guardare o sentire qualcosa, se non altro gli spettri della propria attesa.
L’apatia semmai è frutto della comunità obbligatoria connessa 24 ore su 24 che ci impedisce di restar in silenzio. E allo stesso tempo l'affollamento di immagini, parole, suoni di oggi essendo privo di corpi è oppresso dalla solitudine.
Imparare la sottrazione dalla massa infinita di rumore, ricreare le condizioni per l’ascolto del silenzio, ecco cosa serve per accorgersi dell’altro da sé. Perché diventare apatici è sicuramente peggio che diventare vecchi.

Il cielo sopra Sherwood

 

“E' un festival rock!” questa affermazione di un mio giovane amico quando gli ho mostrato il programma del Sherwood festival 2015 mi ha fatto pensare:
Ma Sherwood è un festival rock? Parlare di Rock ha ancora senso? Il rock è vivo o è morto?
Sicuramente non è più quello di una volta, ma siccome considero la nostalgia una passione triste vale la pena di indagare cosa è cambiato.
Il rock era basato su alcuni parametri ampiamente condivisi: immediatezza e potenza comunicativa, immagine, ribellismo e centralità del front-man cantante. Quando queste qualità coincidevano nasceva l'icona rock capace di impersonificare in sé le inquietudini, le ansie e i desideri di intere generazioni.
L’ultima scena musicale (il Grunge) e l’ultimo martire rock ( Kurt Cobain) sono nati nella città (Seattle) e nel tempo che ha dato il via alla rivoluzione digitale.  Una coincidenza piena di significati. Mentre i grandi giornali rock riempivano le copertine di quest’ultima icona , la musica e la sua fruizione si trasformava radicalmente grazie ad un uso moltitudinario delle nuove tecnologie. Il musicista diventava spesso “senza volto” e “senza scena” e ad eccezione forse del dubstep londinese anche senza un vera connotazione geografica. E proprio in quel periodo si cominciò a parlare di “Post Rock”.
In poche parole è la post-modernità che si fa musica e così anche il rock essendo incapace di narrare ancora il sentire delle nuove generazioni native digitali, cambia pelle.
La musica cambia in tutti i campi: composizione, realizzazione, produzione, fruizione, circolazione. Le etichette discografiche e la promozione diventano marginali, gli studi non servono più: basta la propria cameretta e la rete.
In un mondo in cui sei rincorso da miriadi di richiami, apparati di cattura di un potere mediatico che pervade la vita è nata in molti la convinzione che “è meglio perdersi che essere trovati”. Per questa generazione precaria con le sue vite insoddisfatte l'idea beatnik del “viaggiare senza arrivare” è diventata l'idea del “perdersi da nessuna parte”.
Il post rock diventa ricerca di un’altrove: la consapevolezza dell’impossibilità di lasciare il segno in in mondo inflazionato dai segni, e di contro la ricerca della beatitudine che permetta di svettare sopra il presente almeno per la durata di una canzone. Anzi per la durata di un brano visto che il formato canzone è definitivamente superato. Il rock per come lo avevamo tradizionalmente inteso non c’è più!
Da anni insomma c’è un fantasma che si aggira per l’oceano di suono e si chiama “rock” che si materializza oramai solo nei megalive estivi di vecchie e stanche icone che non si lasciano svanire oppure nei loro cloni e nelle loro cover band.
Ma allora ha ancora senso parlare di questo genere musicale che ha segnato il secolo scorso? Forse sì! Magari per fare un volo interstellare, lì dove Dio si trasforma in un astronauta, guardare il cielo sopra la foresta di Sherwood e spiccare il volo oltre quel che resta del rock.

 Sherwood Festival:

Sabato 11 Luglio 2015

Diserzioni: God Is An Astronaut & Blonde Redhead

 

Fuori Orario: Cose (mai) sentite

Dormo poco. Forse 4 o 5 ore per notte. Ascolto musica nelle ore tarde, mi rilasso cuffie in testa seduto nella comoda poltroncina. Sarà l’età o la pigrizia, o il fatto che mi alzo presto, ma non mi muovo molto di notte. Per sentire musica dal vivo cerco (ma non trovo) concerti fuori orario, almeno per lo standard nostrano.

Mi piacerebbe andare a sentire un concerto nel tardo pomeriggio. Nei giorni feriali soprattutto. Mi piacerebbe provare il contrasto che ti fa passare bruscamente dalla luce del giorno al buio della sala. Mi piacerebbe l'idea di rompere la catena del tempo produttivo, in maniera insolita, almeno per la logica economica che domina il nostro paese e il nostro rapporto con il tempo.

Mi  piacerebbe anche il pubblico di questo concerto pomeridiano, immagino lo stesso che và al cinema di pomeriggio: studenti solitari, coppiette clandestine, malinconici romantici …

Non ci sarebbe la continuità tra il buio della notte  e quello della sala. Non ci sarebbe la socialità chiassosa che popola i concerti notturni. Non ci sarebbe l'euforia dei tanti aperitivi consumati aspettando l'ora fatidica.

Al pomeriggio ai concerti ci si andrebbe più che altro da soli. Come per cercare un rapporto esclusivo con il suono. O per nascondersi dal mondo.

Ricordo un'estate a Londra. Alle 6 pm entrai in una chiesa sconsacrata al concerto di Thomas Koner. C'era molta gente, sguardi attenti, concentrati, emozionati quasi. Due ore di musica e proiezioni dell'acido che corrodeva una pellicola, un'immersione da brivido nell'aurora del suono. E alla fine un applauso. Timido, pudico, imbarazzato, senza la sfrontatezza della standing ovation, ma convinto e in un certo senso perfino commosso. Uscire dal concerto che ancora non è buio e tornare a casa con i mezzi pubblici immerso in suoni nelle cuffie e pensieri non ancora offuscati dal sonno.

Un po’ come la notte per la televisione, il pomeriggio per i concerti potrebbe essere il fuori orario, ovvero "un contenitore anarchico di suoni". Ma invece è solo la mia  “magnifica ossessione”.

James Blake e crooners in divenire

Sembra spuntare di nuovo la “canzone”. 

Anche nelle più ermetiche, indefinibili e indecifrabili musiche degli ultimi anni.

Al termine di un'era dominata da voci pitchate, evanescenti, spettrali usate dai produttori elettronici, prese a piene mani dal postdubstep e poi da  molti altri generi, sembra  spuntare di nuovo l'esigenza del cantato.

Naturalmente il “songwriting” non è mai sparito, ma restava legato a vecchie formule. Ora però la tendenza di manipolare digitalmente frammenti di voci è diventato in molti casi manipolare digitalmente la propria voce per diventare cantante; insomma dalla costruzione di tracce si ritorna a scrivere canzoni.

Prendiamo il più famoso degli esempi: James Blake,  senza dubbio l'uso della voce nei i suoi primi lavori era ispirato da Burial la cui combinazione di beat 2step e campioni vocali aveva indicato la strada per le più originali musiche degli anni a venire.

Burial produceva tracce che sembravano versioni dub di canzoni, solo che le canzoni non c'erano. Ora sembra ci sia l'esigenza di costruire gli originali, e questo ha comportato la sostituzione dei campioni con dei vocalist reali.

Ascoltando i dischi di Blake in sequenza cronologica, questo risulta emblematico: è come ascoltare un fantasma che gradualmente assume una forma materiale.

Una traccia come " I Only Know (What I Know Now)" da Klavierwerke EP è l'esempio perfetto di come la canzone spariva in una “version” fatta di una serie di sospiri intonazioni incomprensibili.

La voce qui è una manciata di pitch e tic e ha un effetto spettrale che si espande per  tutto il pezzo.

Ma con l'omonimo album di debutto di Blake, già qualcosa cambiava e la voce de-frammentata di Blake si spostava in primo piano del mix, pur mantenendo quella tremante, tremula, precaria qualità che rendeva i testi sfuggenti e le canzoni non ancora compiute.

L'ultimo “ Overgrown”, le influenze post-dubstep si sono ulteriormente attenuate.

Il formato canzone riprende sempre più la sua forma, anche se non ancora (fortunatamente) del tutto definita.

Quello di James Blake è solo l'esempio più famoso ma le tendenza si è molto diffusa.

Cosa resta  dell'influenza del post dubstep/ elettronico in questa evoluzione?

Certamente la malinconia del post rave. Il ritorno all'introspezione, il ritorno a casa  dopo l’euforia della “generazione ecstasi” accompagnata da bassi allungati e tremolanti a renderne instabile l’impianto.

Questa tendenza di ritorno alla canzone risulta interessante quando resta ancora ibrida.
Mezza canzone, crooner in divenire, un fantasma ancora non materiale.

Tracklist:

Eyeland & Kosikk: Untitled

The Antlers: Kettering (Unworldly Remix)

Jamie Woon:  Shoulda ( J A Y E E M Edit)

Dems:  Never Have Never Will

Tropics : Blame

Cortel: Run

Luca Urbani: Affinità-divergenze Tra Il Compagno Togliatti E Noi..

Eravamo simili ma non uguali.
Simili ai punk, anche loro in lotta con un presente nero e con la stessa ansia di sperimentare. Ma mentre il punk urlava fuori c'era chi urlava dentro.
C'era chi al pogo preferiva i lenti movimenti circolari in pista da ballo, chi alla rabbia disperata faceva subentrare un'intimismo altrettanto (e forse più) disperato.
Sono passati 30 anni da “1964-1985 Affinità-divergenze Tra Il Compagno Togliatti E Noi - Del Conseguimento Della Maggiore Età” dei CCCP frutto dell'incontro tra il chitarrista Massimo Zamboni e il cantante-sciamano Giovanni Lindo Ferretti. Il sound era nevrotico, allucinato senz'altro punk. Ora Luca Urbani effetua un'operazione inusuale ovvero il rifacimento integrale di quell'album dei CCCP, facendolo diventare altro, una creatura simile.
Perché riprendere i nervosi gli psicopatici CCCP? Per la semplice ragione che la nevrovi e la psicopatia sono le più acute malattie di cui soffriamo tutti anche oggi.
Ma mentre dico queste parole so benissimo che tutto cambia e niente è come trent'anni fa.
Lo so, ma le dico lo stesso. Le dico e le ripeto, perché vedo lo stesso presente nero e la stessa voglia di trovare una via d’uscita anche ora.
Quindi questo disco nonostante ricordi più l'intimismo dark che la furia punk, più i Cure che i Sex Pistols, più Robert Smith che Johnny Lydon, insomma che alle sfuriate delle chitarre sostituisce un suono più riflessivo e ricercato è comunque dedicato a coloro che vedevano gli anni 80 della sfrenata corsa al consumismo alla rovescia.
Questa rilettura di uno degli album più importanti della Musica italiana (con la "M"maiuscola) ha provocato in me un profondo piacere. Perchè a volte serve accompagnare la propria follia, il sentirsi costantemente fuori posto con suoni in cui riconosci parte della tua storia mantenendo lo spirito limpido e la visione chiara che è:
“Solo una terapia, solo una terapia, solo una terapia…"

Jesus and Mary Chain apparsi in sogno

 

Ho fatto un sogno l'altra notte.
Uno piccolo, per carità, di quelli che mi capita di fare fin da quando ero piccolo e ho la febbre alta.
E per la verità, non son neanche tanto sicuro che stessi dormendo.
Sapete, una cosa non è cambiata nel tempo: mi capita di farlo anche da sveglio anche se son più spesso incubi che sogni.
Era dunque notte e la televisione era rimasta accesa non so per quale motivo, scesi le scale per spegnerla e vidi Fabio Fazio che stava per presentare quello che definiva la band del momento: Jesus and Mary Chain.
Ecco, pensai, al solito si accorgono del “Tempo che fa” sempre trent'anni dopo.
Stranamente lo studio televisivo, di solito pieno di luci, si rabbuiò completamente e i  pochi flash di luce illuminavano quattro personaggi avvolti nell'ombra e nella nebbia.

Rimasi stupito perché i quattro sembravano poco più che ventenni: erano i J&MC del 1985:
Bobby Gillespie batteva su in alto tamburo, a fianco l'essenziale apporto del bassista Douglas Hart mentre i fratelli William e Jim Reid con lo sguardo rivolto alle punte delle loro scarpe muovevano lentamente le loro teste di capelli neri arruffati.
Il loro muro di suono, puro feedback, usciva dalla TV e invadeva le case divulgando quell'atteggiamento esistenziale di milioni di giovani: il disorientamento come perdita delle coordinate per orientarsi in mondo inflazionato dai segni, e di contro la ricerca della beatitudine che permetta di svettare sopra il reale almeno per la durata di una canzone. Inquieta beatitudine!
Un miracolo insomma. Da non staccarsi dallo schermo neanche se sta per cominciare un film di Kubrick su un'altro canale. Quand'ecco che, proprio sul più bello, si accendono le luci in studio e ritorna un frastornato Fazio che annuncia la pubblicità e che il prossimo ospite sarà: Federica Pellegrini.
Bentornato alla solita realtà di merda!
Il mio sogno (cut-up mentale) ha ritirato fuori dal mio inconscio un breve e intensissimo concerto dei nostri  visto al Prego di Milano negli anni ‘80  e lo ha trasportato in un studio televisivo del nostri giorni.
Adesso i Jesus  and Mary Chain tornano a riproporre live il loro primo album Psychocandy a trent'anni dall'uscita e forse l'unica cosa positiva in tutto questo è l'ennesimo corto circuito che la loro musica è riuscita a fare nella mia mente.

Apocalypse now: Il sempre inattuale "dark" sound

Sono inattuale.
Fuoritempo, fuoriluogo.
Tanto inattuale
da selezionare ancora
- trasgredendo le più elementari regole
del marketing in rete e nella radio -
suoni sconosciuti e oscuri
che fanno del "DoItYourself" la loro forza.
Musicisti che nel tempo dei selfie e del gossip
si nascondono dietro cappucci neri
che nel tempo dei camerini, dei backstage spiati
e dei palchi luccicanti dei talent show
stanno chiusi nelle loro camerette
illuminate solo dalla luce del monitor.
Perché questa musica ha questo di grande:
che non è mai in diretta televisiva
che non crea stars e spettatori
ma sa essere in diretta con la vita
di molti giovani, di identità "altre"
e con un sentire comune di precarietà
che non ha più frontiere.
E' un sentire comune che è ora
ma che è sempre stato
almeno fin da quell'urlo punk:
“No future!”
C'è lo stesso grido "now"
ma è un ritorno uguale e diverso.
E' il senso che il suono
e solo il suono
ha da sempre per me
e per le creature a me simili.
Quel condividere inquietudini e intimità
magari aiutandoci a guardare meglio
dentro il nostro cuore di tenebra.
E a vedere qualcosa nel buio
che sempre più fitto ci avvolge.
Soprattutto ora, proprio now.

ps) Diserzioni è sempre stata attratta dalla ricerca di suggestioni sonore che emergono nel buio, che urlano il disagio dentro più che fuori, ma non ama i soliti corsi e ricorsi storici, non ama i ritorni di epoche passate (anche le più amate come il post-punk o il dark) perché il suono introspettivo e oscuro ha in ogni epoca le sue teorie soniche. Prima si chiamava post-punk o dark ora post dubstep o bass o witch... ma queste definizioni poco importano, l'interessante è la ricerca, che mai si ferma, della chiave per scongiurare un'apocalisse.

..dedicato a chi non sa fare le playlist di fine anno

Ma serve ancora a qualcosa fare le playlist di fine anno?

La domanda rieccheggia di nuovo inevitabile.

Assieme alla domanda - ossessiva, annoiata, rituale, neccessaria – circolano anche alcune risposte nei vari forum musicali.

Qualcuno ritiene che queste classifiche dovrebbero avere essenzialmente una funzione semaforica: dovrebbero cioè suggerire il via libera o lo stop all'ascolto di un disco visto l'impossibilità comune del scegliere nel marasma musicale odierno. Qualcun'altro pensa che la funzione sia essenzialmente giudicante, una sorta di tribunale estetico in cui si emettono sentenze e si eseguono condanne (tanti mettono pure le classifiche dei peggiori dischi dell'anno). Qualcun'altro ancora pensa che siano un momento di mediazione tra l'autore e il suo pubblico. Chi solo un gioco...e si potrebbe continuare.

E chi non ama nessuna di queste figure?

Chi non si ritrova ne nei panni di un semaforo ne di un giudice, ne in quelli di un mediatore. Che fa? Rinuncia? Decide di fare altro? Si iscrive al partito del “ quelli sì che erano tempi”?

Io semplicemente penso che non serva fare playlist per parlare del suono attuale. Penso che oggi non serva tanto fare da mediazione tra l' autore e l'ascoltatore (entità oggi quanto mai fantasmatiche) quanto piuttosto tra il mondo e il senso. Il suono sta li nel mezzo. E chi “scrive” di musica dovrebbe essere colui che tesse relazioni tra l'uno e l'altro. O che proietta l'uno sull'altro. O genera l'uno a partire da l'altro.

Per farlo deve saper ascoltare oltre. Deve rivelare ciò che in genere non viene rivelato.

Consapevole comunque di rivelare una parzialità infinitamente piccola di un mondo che contiene un'infinità di mondi.

Non c'è via d'uscita: per me la playlist di fine anno è impossibile stillarla.

Non mi resta che continuare a muovermi attraverso il suono fra il mondo e il senso senza pretendere di sapere una volta per tutte dove sto andando. Ma senza mai dimenticare che se nel mio orizzonte resta solo il suono (e non c'è il mondo, e non c'è il senso) forse è meglio che smetta di trasmettere e scrivere di musica.

Dream Machine

L'avevo letto da qualche parte. Probabilmente in in libro di William Burroughs.
Esisteva una macchina in grado di generare sogni!
Si chiamava Dream Machine ed era stata inventata e costruita da Brion Gysin and Ian Sommerville.
Poi d'incanto la trovai su una rivista (allora internet non c'era) che dava perfino le istruzioni per costruirla. Metterla assieme fu un gioco da ragazzi e per farla ruotare a 78 giri bastò usare la vecchia valigetta giradischi di mia madre. Ma generare quei sogni si dimostrò molto più complicato: passai ore davanti a quei lampi di luce senza ottenere granche.
Anni dopo lessi che dei progettisti giapponesi avevano creato un programmatore subliminale di sogni, lo Yumemi Kobo, uno strumento che serviva a costruirci dei sogni su misura.
Non mi sono mai informato dell'attendibilità del progetto ma di sicuro questo progetto presagiva una certa tendenza sempre più diffusa nell'universo mediatico e anche musicale.
Le nuove tecnologie di diffusione del suono in streaming (Spotfy, I Tunes, Deezer, Google Play Music...) sono sempre più in grado di regalarci musiche tagliate su misura: possono creare playlist di genere, creare radio per ogni gusto...trasportando l’intenzione di quei progettisti giapponesi in musica.
Ciò non significa che questi strumenti sappiano aprire i confini della percezione e dell'immaginazione. Anzi, l'immaginazione si nutre della messa in corto circuito delle proprie convinzioni sonore.
Ecco perchè Diserzioni preferisce lasciar galleggiare suoni in un “cuore di tenebra” ambiguo e inafferrabile che nessuna macchina potrà mai programmare.
Ma soprattutto ci pare che l'immaginazione sia incompatibile con l'autoreferenzialità perchè a furia di sognare solo e sempre se stessi si finisce male. Un po' come le vecchie stars afflitte da narcisismo onanistico. La tristezza di vedere all'opera gli ultimi U2 nè è la prova e solo un esempio tra i tanti di questa deriva.
Per fortuna c' è “l’altro suono”, che a suo modo è da sempre una Dream Machine, ma impedisce di sognare ciò che vogliamo.
Ci impedisce di illuderci che i nostri sogni siano gli unici desiderabili e ci spinge invece a ricercare altri utopici sognatori nelle lande sconosciute nel suono.

ps) nota/trip/delirio scritto riascoltando un promo in vinile rosa con al centro la scritta "Underworld - Rez" a più di 20 anni dall'uscita:

La sfera sonora nella rete

musica senza territorio e calendario

"Badi che l'idea di progresso ha un fondamento cartografico. Se la Terra è una gigantesca e infinita tavola, le cose che oltrepassiamo rimarranno dietro di noi per sempre. Se invece  -  come oggi la globalizzazione obbliga a riconoscere  -  ci muoviamo sulla superficie di un globo, cioè intorno a una sfera, allora tutte le cose che credevamo superate, prima o poi, ritorneranno fatalmente di fronte a noi".

Franco Farinelli

Riattraversare la storia, ripensare la geografia.
I suoni dei quali ci occupiamo ogni settimana all'interno di Diserzioni ci spingono in questa direzione.
Ci offrono un'altra visuale prospettica.
Ci ricordano come oggi, nell'infinità sonora, non esistano più scene musicali che si riconoscano dalla provenienza territoriale come era un tempo. Non c'è più la Madchester, nemmeno la Sheffield industrial, la Seattle grunge, la Bristol trip hop e nemmeno la techno di Detroit o berlinese....ma un sentire condiviso in ogni luogo del mondo e in tempo reale.
Ma soprattutto il suono è capace di concepire contemporaneamente diversi piani dell'esperienza passata, presente e futura e di convivere con apparati tecnologici ipercomplessi e iperveloci, insomma di avere una percezione non storica della temporalità.
Perchè la storia e la geografia della musica  non è più quella che continuano a raccontarci nei network radiofonici, in televisione, nei talent show, nei giornali “influenti”...
Questi auspicano le sorti progressive e lineari del mercato musicale, insistendo sulla celebrazione della star, dell'artista geniale, del diritto d'autore, dei dischi venduti insomma del mondo che fu. Intanto miriadi di sconosciuti produttori inondano la rete di suoni che incrociano luoghi e tempi. Non c'è più il genio che rappresenta un'epoca o un territorio/genere musicale perchè il genio è collettivo/comune e  parla al mondo intero.
Chi sa ascoltare l'oceano di suono attuale riconosce questo fuoricampo e lo rimette in campo. E lo fa sentire.
Racconta il complesso, stratificato e contradditorio suono d'oggi, consapevole dell’abisso che si spalanca tra il funzionamento di questo scenario e le nostre capacità di comprenderlo e spiegarlo.
E comunque rammenta una differenza: c'è chi consente all'ascoltatore di sentire solo ciò che già conosce  e chi invece spinge a ripensare sempre ciò che sente.
Che sia per questo che molti parlano di “musica finita” e di creatività in via d'estinzione e fanno di tutto perchè si estingua al più presto?

Fragments From The Inside, Eraldo Bernocchi

 

Intervista di Mirco Salvadori a Eraldo Bernocchi per Diserzioni:
leggila qui

In visita alla citta' invisibile di Contemporanea

 

Mirco Salvadori sull'eterno conflitto tra 'noi' e chi si occupa di musica contemporanea

leggi qui

Dedicato a chi non ha paura di ricominciare

E così ancora una volta, ricominciamo. 

A quasi 25 anni dalla prima emissione (ottobre 1989) e 10 anni dalla trasformazione di “The crystal ship” in “Diserzioni”.
 Ricominciamo per continuare a nutrire l'anima che fece nascere questa trasmissione tanti e tanti anni fa. Sembra un miracolo se ci guardiamo indietro: in un mondo dove niente viene fatto senza tornaconto, questa trasmissione è andata in onda senza interruzioni per 25 anni mossa solo dalla passione per il suono, contando solo sulla stima dei propri ascoltatori.
L'obiettivo è quello di continuare e cambiare, come sempre, come è cambiato e cambia radicalmente il mondo della musica e della radio: dalla puntina del giradischi all' mp3, dalla lettera manoscritta al social network, dalla ricerca dei vinili in mezza Europa all' intasamento dei link ai soundcloud e bandcamp... ne è passata di acqua sotto i ponti.
Ma eravamo, geneticamente e orgogliosamente, una trasmissione di nicchia.
 Un punto di vista non allineato.
Uno sguardo curioso e a volte indignato.
Vorremmo continuare ad esserlo.



 Questo significa continuare a ricercare sapendo che non ci sono più onde da seguire, non ci sono “new wave” da cavalcare come quando abbiamo iniziato e il surf rischia spesso di divenire zattera alla deriva nel desertoceano sonoro attuale.

Il compito è arduo, ma il naufrago non ha scelta ed un solo pensiero: La speranza di trovare un nuova terra. E siccome siamo senza bussola dobbiamo creare le condizioni che rendono possibile almeno il miraggio di  nuove scie da seguire.

Lo faremo usando quelle facoltà che più ci aiutato in tutti questi anni: la passione, la sensibilità e il desiderio. Lo faremo usando i nuovi strumenti d'informazione: non solo radio e podcast, ma anche le potenzialità che un portale multimediale mette a disposizione attraverso interviste, approfondimenti, recensioni, video...

Perche amiamo il suono. Non tutti i suoni ovviamente: solo quelli che smuovono qualcosa dentro l'anima e che riteniamo indispensabili.

Alla musica (all'idea che ne abbiamo) e alla nostra vita.

 

I cannocchiali del nostro tempo

Qualche tempo fa, mi è capitato di passare una piacevole serata in compagnia di alcuni giornalisti/critici musicali e una cosa appariva chiara dai loro discorsi:la musica se non è morta è sicuramente moribonda,  forse oggi è meglio riscoprire e far conoscere ai più giovani suoni dimenticati del passato.

Io invece insistevo invano che bisogna continuare a guardare avanti anche se tutto è diventato più complesso, sostenendo che con l'avvento della digitalizzazione niente può essere guardato come prima.

Subito mi è tornata alla mente una pagina molto bella: in “Vita di Galileo” diBertold Brecht, i padri della chiesa, invitati a guardare il suo cannocchiale per verificare la veridicità delle sue scoperte, rifiutano cortesemente di farlo.

Lungi da me fare improbabili paragoni, ma il mondo musicale in Italia spesso sembra come quei cardinali: preferiscono non vedere e non guardare pur di poter difendere il loro dogma.

Facciamo un esempio, Diserzioni propone ogni settimana dieci pezzi nuovi pescati nell'infinito oceano di suono e spesso mi sorprendono. Pur frutto di una ricerca parziale (non può essere altrimenti) e spesso trovandoli nelle produzioni “free download” questi musicisti riescono ad emozionarmi e a descrivere il sentire delle nuove generazioni meglio di ogni altra arte.

Forse sono io che sono preso da un trip allucinato, ma l'unico problema che ho è l'abbondanza di suoni che passano nel mio apparato uditivo e la difficolta sempre maggiore a selezionare.

La sensazione è quindi che non solo non si entra nel merito del cambiamento epocale che la musica ha subito, ma si ribadiscono e si dicono cose che si sarebbero potute dire anche prima della cosidetta rivoluzione liquida nella musica.

Sembra che il mondo musicale, almeno in Italia giri a vuoto su se stesso, non approfondendo mai niente come un moto perpetuo che serve a rafforzare stereotipi, luoghi comuni e status quo.

Per averne conferma basta dare un'occhiata ai servizi di televisioni o giornali a riguardo della musica, oppure vedere chi suona dal vivo in giro per il nostro paese quest'estate.

Naturalmente ci sono le eccezioni, ma oramai siamo rimasti in pochi quelli che non temono di guardare dentro i cannocchiali del nostro tempo. Anche a rischio di farvi vedere e farvi sentire cose sgradevoli, ma sicuri di non perpetuare le certezze e i dogmi dei cardinali della musica.

La trasmissione radio, ritorna a settembre. Diserzioni però non è solo questo, ma anche interviste, recensioni, approfondimenti, live report, racconti sul suono visto attraverso i cannocchiali del nostro tempo. "State tuned" Un ringraziamento di cuore al mio socio Mirco Salvadori e a tutta la foresta di Sherwood e allo staff di Radio Sandonà.